Once we were all children. This is an absolute truth for all human beings, regardless of race or class. Children can wander for hours, putting their hands and feet under running water, digging in a sand pit and dreaming about the fairy world in the clouds. They inhabit the ‘Utopia of Childhood’, the home of free play of the imagination, of deep emotion and experimentation. In the world of adulthood with all its harsh reality, the ‘Utopia of Childhood’ fades out.

Is it possible to evoke the ‘Utopia of Childhood’? Philosopher Graham Gordon said, ‘Art is to enhance our understanding of the world and human beings have the ability to manipulate their experience imaginatively’[1]. If so, the creative work of the imagination must be the one of the more significant vehicles through which to re-encounter our lost ‘Utopia of Childhood’.

When creativity, philosophy and human wisdom are integrated, art, including architecture, will be born. And it will form a city, and a city produces its culture and that generates civilization. But civilization also creates never-ending human greed that is used to justify constant war and environmental destruction. Most of us feel deeply depressed when we face this reality. But, I believe, the realization of the fact once we were all children will be a strong force for change with true compassion.

The reason for my making art and children’s books is also about childhood. The process of art making brings me back to my lost childhood. It provides me an extraordinary sense of pleasure and bliss. I hope my work can help take your mind to your childhood as well.

子供時代のユートピア                                                                                                                                                   2005/April

私達はかつてみな子供だった。——これはどんな人種や経済階層の人間にとっても、絶対的な真理です。子供というのは何時間も手足を流れる水に浸しておいたり、砂を掘り続けたり、雲の上の妖精達の世界を夢見て過ごす事ができる不思議な生き物です。それは子供というものが、みな心の中にユートピアを持っているからだと思います。そこは自由な遊びの本拠地であり、真の深い感情、創造の力、あふれる好奇心が泉のように湧き出る場所なのです。しかしやがて子供は大人になるにつれ、多々な厳しい現実に直面してその幻想のように楽しかった心の場所、「子供時代のユートピア」は段々と消えてしまいます。

この「子供時代のユートピア」を再び、喚起する事は可能でしょうか？哲学者のグラハムゴードンは「芸術というのは、我々人間がより深く世界を理解するためのものである。人間はあらゆる体験を創造的に再構築し、アートへ転化する力を持っているのである」[1]と語っています。それなら、人間の創造した芸術作品こそ、我々の心の奥に封じられてしまった「子供時代のユートピア」へ導いてくれる「魔法の絨毯」に違いありません。

人間の英知と創造性と哲学が総合されたときに、絵画や彫刻が生まれ、建築が生まれ，そして都市が生まれ、文明が生まれ、歴史が生まれます。そして文明は様々な欲望をも生み、文明の名の下で私達人間は何百年も何千年も差別と殺戮、環境破壊をくりひろげてきました。おおくの人間はそうした現実に直面し、無力感に押しつぶされてしまいます。しかし、そんな時こそ我々は心の中の「子供時代のユートピア」の存在を思いおこさなくてはいけません。人間はみな子供であった、という万人に共通する平等な体験の認識こそ、何かを変える原動力になると私は信じています。夢をみるように、昔だれもが、子供の時に内包していたユートピアが心に蘇る時、人間は他者を（自然と言う環境も含め）真に理解できるのではないでしょうか。それは大きな平和のための共通言語なのだと思います。

私が絵本やアート作品を作るのも、アートという魔術を使って私自身の子供時代に出会うためのものといっていいでしょう。こうして何かを作る過程において、私は自分の子供時代へ再帰することができるのです。それは言葉につくせない、大変な喜びを私にもたらしてくれます。願わくば、これを鑑賞して下さる皆さんの心の中の子供時代へ、ほんの一時でも戻るお手伝いができるなら、大変嬉しいことだと思います。

私が下書をして氷見のみなさんに託してきた、草のドローイングによる壁絵作品の制作過程がブログで閲覧できます。アート系の学生さんから漁師のおじさん達まで、地元の方々の底力で着々と制作が続けられています。息の長い、細かい仕事です。いやはや本当に感激です。

http://himming2008.jugem.jp/?month=201009

http://himming2008.jugem.jp/?day=20100815

http://himming2008.jugem.jp/?day=20100812

ゆうゆうと流れる上庄川のもと、時間もゆったりとすぎてゆき、氷見でのレジデンス滞在はおわりました。ざっと振り返ってみたいと思います。

2010 Aug 6th, 7th

この週末は日比野克彦氏のレクチャー、ワークショップが行われ私も便乗させてもらいました。「アートプロジェクト」とは一体何なのか。絵や彫刻とどう違うのか、という大変興味深い命題。「アートプロジェクトというのは、作品の美しさなどだけを問うのではなく、「なにか、コトを起こすことである」と明確に位置づけてくれました。今までなかったこと、その種をまいて育てること。つながっていなかったことをつなげてみること、ともいえると思います。それによって「新しいものの見方を生みだそう」、という試みこそが、アートの真意だ、と私も心から共感しました。

そしてそのワークショップが終わったら、やおら「さあ、船にのって島へいき、潜りにいこう」！。参加者はみなわさわさと、ヒミング御用達のおじさん達が用意してくれた伝馬船とモーターボートにのりこみ、唐島へ。日比野氏はじめ、２−３のローカルたちはざんぶと飛び込み、洗面器一杯の牡蠣を狩猟してきました。そしてヒミングに帰って、潜りのおじさんが大変器用にあけてくれ、流しそうめんとともに「ながし牡蠣」にして贅沢にいただきました。（こんなことできるのは氷見のヒミングをおいて他にはないでしょう。）

Aug 9th – 12th

にぎやかだった週末もおわり、私もいよいよ本格的に仕事に取りかかる決意をしました。その間もまたそのおじさん達が入れ替わり、立ち代わり、にこにこしながらやってきて差し入れを持ってきてくれます。とれたてのサザエ、かわはぎの南蛮漬け、なすのオランダ煮、手作りところてん、、、、。うーん、本当に食と人情の濃い場所です。

日曜日はたくさんのお手伝いの人が来てくれました。というか、ヒミングカフェにお茶をのみにきたついでに、いつの間にか結構はまってしまった、というのりで何時間も作業していただきました。

なかでもこのアートセンターの蔵の大家さんの奥さん，ミチヨさんは、お盆の忙しい中、一週間毎日毎夜仕事が終わってから夜食の差し入れとともにやってきてくれ、船や波、唐島のデザインを「さすが漁師の奥さん！」とうならせる、大変情緒ある形に作り上げてくれました。

ちなみにご主人のホリノさんはぶかぶかとタバコを片手にやってきて「こーんな、こまけー仕事、みてるだけで気分わるくなるー」と来るたびに頭を抱えていくのですが、そういいつつも毎日必ず２度も３度もやってきて、うれしそうに念入りに観ていってくれます。（そして毎回「いやー気分悪くなるー」といって帰っていく、不思議な心理）

ヒミングの要の高野女史も毎日毎夜、仕事の後でやってきてどんどんと仕事をこなしてくれました。正直な話、私はこれまでこの草のドローイングはあまりに細かい作業だし神経のすり減るものだから、とても普通の人はできないだろう、と思っていたのです。（事実オーストラリアのギャラリーで働いてるボランティアさんも「もうだめー」と２時間でギブアップしてしまったので）。それが、意外と普通の（つまり別にアートを生業としている人でない）老若男女がみんな一心に、とんとんと細かい作業に真剣に取り組んでくれる様子に大変驚きました。

「時は金なり」「時間効率」がスローガンのようになる時代、私も自分の作業を人に頼むのは（しかも無償で）大変心苦しく、なんとかいつもできる限りは自分でやってきているのですが、ここ氷見にきてこういうことが可能な場所もあるのだなあ、と感にいりました。これって究極の「スローライフ」の精神かもしれないです。

そしてこの一週間、灼熱の氷見の中、作業は着々と進められました。１２日木曜には学生さんや１時間半もかけて来てくれたヒサダさん、スタッフの平田さん、鎧高さん総出で大きな壁面、第一ステージはほぼ作ってくれました。

Aug 13th

子供達とコンポストつくりのワークショップをやりました。これにも大工のおじさん達が飛び入りで参加して下さり、一番真剣に、ああでもない、こうでもない、とねじりはじまきをしてかわいいお花飾りに目を輝かせておりました。このワークショップにおじさんが参加してくれたのは初めてだったので、大変嬉しいことでした。

…..ということで、氷見にての草花壁絵は着々と１１月の会期終了まで少しずつ育っていく予定です。

(これがミチヨさんが仕上げてくれた伝馬船）

月曜の夕方ここ富山県にある小さな漁港のまち氷見ついて今日は４日めです。小さなヒミングアートセンターというお醤油屋さんのお蔵を改造した建物にての’アーティストインレジデンス’です。一階がギャラリースペース、小さなキッチン、ふきぬけの２階はベッドがあります。伝馬船をつくる方法でつくった大きな波がたベッドがあり、これはなかなか寝心地ばつぐん。

氷見、という語感はとてもさわやかですが、ここも例外なく連日の猛暑。まだここは冷房がなく、日中の暑さはかなりなものです。でも、お蔵なので少しひんやりしているし、目の前に川があって、常に水の音がすること、そこをまた小さな漁船が通ると波がゆれて心地よい残り音をだしてくれること、など、そういう場所だと汗だくで仕事をしていても意外と平静でいられます。流行の熱中症にならないように、水分補給、首筋につける保冷剤（こういうかゆいところに手が届く、という商品が日本はたくさんありますね）、それと頻繁に水浴びをして、という原始的な方法で結構しのぎつつ、そんなキャンプ生活に似た感じを楽しんでいます。夕方４時ごろになってくると風がさわやかな海風になり気持ちがよくなります。

このヒミングアートセンターはNPO法人なのでみなスタッフの人たちは手弁当で仕事をしています。ときどきみにきてくれて、大きなトマトや桃、すいかなど現物を差し入れをしてくれます。「そこらにごろごろたくさんある」みんなその辺の近隣の人達が作っている作物らしいです。買い物もここは商店街のすぐ近くなので便利。地のものがあってうれしいです。

このセンターの大家のおじさんは醤油や統括、趣味漁師、（地元の名士らしい）ですが、ここのおくさんも今日はとれたてのカワハギやカレーなどお裾分けでもってきてくれました。「獲物があった時は、売れるものはまわせないけれど家で食べるようなものをみんなにわけてあるく」のが、いわば漁師の掟なんだそうです。このおじさんは鉄太（夫）のブログにあるように、今年初めに下見を兼ねて家族で来たのですが、その時りんごろう（息子）を逆さ刷りにして川に落とそうとした例のおじさんです。(詳しくは　http://makiwarinikki.sblo.jp/）おじさんは私のことは覚えていなかったけれど、「その節はうるさい息子がお世話になりました」といったら、「あー、あのぼんずかー」とソウコウを崩して満面笑顔になりました。

他にもこういうおじさん達がごろごろしていて、そのおじさん達は夕方になると、河原にやってきてタバコをすったり、天気の話などしてなんとなく川辺に集まっています。毎日「なんだ、坊主もつれてくればいがったになあ」と何度もくどかれました。そして「今だら、救命具と縄つけて、島の先のあたりにぶんなげてやりゃいいで。すぐ素潜りも泳ぎもおぼえっちまうわ。あの坊主なら、すぐだ。一日で素潜りおぼえっちまう。根性あっからな」「そだ、そだ、海にもぐると魚がうようよいっから、きれいで楽しくて潜りたくて仕方なくなるもんだ」ということです。

氷見名物はなんといっても温泉とお魚。ヒミングの主要メンバーが名旅館「永芳閣」の女将さんなので、時折素晴らしき温泉あずかることができます。

またほかにもいくつか地元濃いめの温泉があり、実に実に素晴らしい。

私の仕事の方は、そんなペースでやっているので予定よりかなり遅れていますが、仕方ないです。先日は午前中「海浜博物館」をみにいき、海藻の「押し花」のやり方を館長じきじきよりご伝達いただきました。今回のプロジェクトに使う予定はありませんが、とてもポテンシャルがありそうです。今日あしたは、日比野克彦氏がきてワークショップ、レクチャーでこの場所でおこなわれます。１２日まで壁への草壁画を作って（いやーどこまでできるか）、１３日は残った草花でミニコンポストづくりのワークショップをして、東京へもどり、その後３３３１アーツ千代田にて２１日にワークショップ。それから２２日にメルボルンへ向かう予定です。

When I arrived in Australia (about 11 years ago), I developed an interest in compost making. My back yard was very tiny. I could not set up a proper compost bin but I used alternatives: such as milk cartons or small plant pots. I put vegetable scraps in the cartons and placed them in the garden. Those small instant compost bins were good enough to make my small garden full of flowers. I was astonished at how such a little effort could have such a big impact.

‘Composting is, in broadest terms, the biological reduction of organic wastes to humus…’ said Minnich¹. ‘Organic waste’ is vege or fruits scraps that turn into ‘nutritious food for soil’. Like turning rubbish into treasure? I knew my miniature compost bins were not ideal for making proper compost, but at least they enriched the soil, which for a first step was much better than nothing.

Compost making is a slow process. We react easily to something that we see change quickly: the Internet or computer games are good examples. But we don’t take too much notice of something that seems very static, such as an apple in a basket; even though that apple IS changing, at a microscopic level.

In the last 20-30 years, the philosophical, artistic and intellectual framework has drastically changed. It is more about ‘inter-relationships’ or ‘inter-texuality’ now, rather than pure autonomous phenomena. ‘Interdisciplinary’ became a keyword in intellectual institutions. Physicists look into ‘not just bits and pieces of nature but the complex interrelationships that actually make organisms and ecosystems work’². And in the art world, it is now common to explore human society and its functions from a postmodern perspective, rather than following the artistic autonomism that was a central concept in Modernism. So what does that suggest? It is the understanding that all elements, whether atoms, languages or art, are not just individual phenomena, but are much more complex: are like organic matter, because they transform and react in the context of society. As Joseph Beuys stated, society is an organic entity.

So then what is Organic? According to the Longman English dictionary, it is:

1. Of living things or bodily organs
2. Made of parts with related purposes
3. (of food) grown without chemicals

As Beuys suggested, society is not a perfectly completed entity but is always at the point of transformation. That signifies that society is not static, just as an apple is not static. As Capra said, whenever you see life, you see networks. The whole planet is a network of processes involving feedback tubes. The basic pattern of life is always a network. But in our everyday life, we can’t see this network and there is no need to think about it. (Who wants to ponder about an apple or onions, or the relationship between them and bacteria and our bodies?) But I’d like to try. I think that it might suggest something significant. If we try to find a different viewpoint from which to see our life, we may recognize that we are not only living as individual points, but also in relation to others in complex network: like the inside of a compost bin!

Society, like individual human beings, is fully interrelated, like a level of bacteria. If we think about our history, anyway, there were only bacteria and micro-organisms on Earth in the first 2 billion years of the more than 3.5 billion years it has existed. Through that long period, they invented all of the fundamental processes of life. Each of us is an aggregate of some 60 trillion cells. Within each cell, there may be hundreds of organelles, the once-independent bacteria. It is said, ‘each human being – or a dog or a potted plant, for that matter – is not just an individual. Each one of us is actually a community of organisms’³. And ‘the world of bacteria is critical to the details of these feedback processes, because bacteria play a crucial role in the regulation of the whole Gaia system’⁴. That makes me wonder about how my body began from a small piece of protein cells from my parents. And my parents began in the same way, with small pieces of protein from their parents. I think if human beings used be apes, that means we also used be fish, insects, bacteria and micro-organisms ···

And it has been found that the most crucial energy source comes from the process of decay, which is also driven by bacteria. Science for a long time focused on the productivity of ecosystems, such as photosynthesis. Scientists believed that since productivity directly influences the life of living things, it must relate to the available supply of energy. But later, many scientists like Orrie Loucks, found that although energy does influence productivity, ‘the ultimate regulator of ecosystems is decay’⁵. Ecosystems function through processes that release nutrients back into the soil for future production. Decay is more complex than photosynthesis because it involves the co-operation of thousands of species of living organisms, from insects to worms, fungi and bacteria⁶. Amazingly, the total biomass – the weight of living things – of all micro-organisms is greater than the biomass of all other creatures put together, including trees and whales and people⁷.

Isn’t that unbelievable? The primal energy source of our Earth is the activity of decay of organic waste, which is composting. It sounds very interesting, and seems to suggest a very new way of understanding life!

If art is the creation of new value and view points of our life by using human senses and intelligence, isn’t that very similar to compost making? If something invisible like micro organisms are actively replacing our planet, art has potential to recreate inside humans and their society. Something invisible, but working very hard on the microscopic level. It is art and I believe that art will change you and me through our senses.

———————————————————

1. Jerry Minnich, The Rodale Guide to Composting, Rodale Press Emmaus, PA, 1979 p1
2. David Suzuki and Holly Dressel, Naked Ape to Superspecies, Stoddart Publishing, Toronto, 1999
3. Suzuki and Dressel, Naked Ape to Superspecies, p17
4. Suzuki and Dressel, Naked Ape to Superspecies, p16
5. Suzuki and Dressel, Naked Ape to Superspecies, p22
6. Suzuki and Dressel, Naked Ape to Superspecies, p22
7. Suzuki and Dressel, Naked Ape to Superspecies, p17

Slow Art is about the art, which seeks an alternative framework apart from the existing Art market system (governed by Economic centricism) along with the other Slow Movements. It focuses on the sustainability of the environment and the quality of life.

The Basic Slow Art principle is as follows;

• art which doesn’t rush to seek ‘money’
• art which develops ‘horizontally’ rather than ‘vertically’; by slowly circulating and connecting from place to place, people to people,
• art which appeals to the wider society as an essential part of life, like the Slow Food Movement
• art that is not just ‘Slow’ in speed and laid back, but art in geological time: as evolution through ‘renovation’ and ‘transformation’ towards to our future society; (eg.Slow Food says No to McDonalds)

The following are 5 characteritics of the actual art making process.

• Take time to observe everyday life much more carefully. The idea of each project needs to be derived from everyday life.
• Choose simple materials that connect with your life.
• Focus on a process of art making rather than object making. The work always changes subtly, and grows like a living organism.
• Create art works on site from zero if possible, and use the gallery as a studio. Spend time on site to experience the space, physically and internally. When the exhibition finishes, go back to zero. Seek the meaning of artwork that doesn’t last.
• Blur the boundaries between artist and audience.

These ideas provide artists with a new relationship with society.

Slow Art Collective is an artist’s group who shares the SLOW ART philosophy. This group will grow as a flexible artist’s collective which considers ART as LIFE, and LIFE as ART. We will develop artistic projects, public programs, publications, and network with other SLOW artists nationally and internationally, intending to foster a discussion about the role of contemporary art in a sustainable society.

The drama of ‘unimportant matters’ are so unique, humorous, cute and sometimes a bit mad. In turn, this drama is universal for any human being and our society.

I love drawing and it is an activity that forms part of her everyday life – in a way an automatic response to what I see and feels. The images must be drawn from or reflecting on my everyday life and thoughts- everyday mundane routines such as going for a walk with a baby, and picking up flowers. Perhaps, it is about the unstable relationship between the natural world and humananity.

Glass drawing explores the world of childhood, dreams and ecology. My art practice explores ways of separating elements from the world and restructuring them in a way which portrays the simultaneous fragility and strength of life.

All my works are a series of drawings (on canvas or on wall) made by using weed and grass with pins. I collects the materials from her backyard or from the road where I walks daily. They are tied together into long strips, thus becoming the ‘line’ of the work. To create something from materials people think are useless is a concept, which has always been of interest to me.

The childlike drawings and awkward lines in my drawings may be as a manifestation of my own desire of wanting to seek my origin or wanting to evoke her childhood. The irregularities, awkwardness and imperfections can seen in my art work is an evidence of being human, and I find ‘beauty’ in there. This beauty is significant – resonating within the viewers own inner self.

( paper  for the forum of Art and Sustainability: at Counihan gallery )

June 2008

長い間、私はアーティストとして自分の制作と環境問題とどのように折り合いをつけていったらよいのか、ということを長い事考えていました。企業がものを作る際、解体するシステムをまず考えなくてはならないこの時代です。現代アートの世界も、何かある価値観の変換がなくてはならないと思っていました。

そのためにはまず、これまでのアートのあり方、アートを支えているシステム自体を、見直し何らかの形で変化させていくことがアートとサステイナビリティーを考えていく糸口になると思います。その答えがはっきりとみつかったわけではありませんが、その探求の旅の道中である現在感じていることを２、３お話したいと思います。

まず、今までのアートを支えている基盤、あり方というのはどんなものでしょう。まず大方の作品発表のあり方です。アート作品（完成されたオブジェクト）は作家によってスタジオで制作され、次にギャラリーなどの発表の場に展示され、それが終わって作品は保管される、という行程を経ています。また、それは作品が生まれるまでの時間のあり方をも仕分けします。おおざっぱに「制作の時間」、「鑑賞の時間」、「保存の時間」という具合に分けられます。そして役割のあり方。作り手（作家）、媒介者（ギャラリスト、キュレーターなど）、評価を下す人およびお金を出す人（評論家、やパトロン、コレクター）、鑑賞者（それを見に来る人たち）、という関係がはっきりとしています。他にももっと多様な構造がありますが私が焦点をあてているのは以上の点で、実は経済合理主義、経済効率至上主義という考え方が前提にあるあり方だとおもっています。

こうした既存の構造の中で、アーティスト（特に彫刻家、画家）にとってのとりあえずの成功と信じられているのは、１、アート作品がよりよい場所で発表され、２、より多くの人達に鑑賞され、３、その作品、オブジェクトは金銭と交換される、という構造だといってよいでしょう。その場合、金銭はそのオブジェクトをつくりあげられた技術力と時間、恒久的な素材への代価、ということがほとんどで、多くの場合、恒久的な素材とは、永遠に分解しないもの、つまり環境には優しくないもの、という問題と直結しています。

勿論、野外作品などそうした素材で恒久的な作品を作る事はアートのひとつの役割ですから、それを否定するつもりはありません。しかし問題は、自分の身体への影響、自然へのインパクト、制作自体が公害をだすことについての矛盾、そして値段などについて、疑問を持つアーティストも実はたくさんいる、という事実です。私もその一人で、田舎に住み、自然とできるだけ共存した生活をしようとしているのに、自分のミッションである制作自体が反対の方角をむいている、ということは、精神衛生上も作品制作のモティベーションのためにもよくありません。しかし、そういう鍵括弧いりの成功を求めるのなら、そんなことを気にしていてはアートのマーケットからはずれてしまうし周縁にいるアーティストとして隅に追いやられている現状があります。しかし、ある時点で私は決心をしました。周縁に追いやられているのは経済効率優先のアートが中心にあるからであり、そうした中に組み込まれるのではなく、自分自身の価値観を中心に据えて新しいアート活動のあり方のマッピングを模索する、ということです。そしてその答えの一つとして、スローアートという概念を考えました。今世の中ではスローライフ、スローフードという新しい考え方が、経済効率主義に対抗するものとして、大きく世界の人々の精神生活を変化させています。スローアートという概念も、何らかの形でこれまでのアートのあり方、価値の転換をはかる大きな可能性があるとおもいました。

ロバートヒューズは２００４年にすでにスローアートという言葉を使って以下のように述べています。“What we need more of is slow art: art that holds time as a vase holds water: art that grows out of modes of perception. …It doesn’t get its message across in ten seconds,… that hooks onto something deep-running in our natures.[1]”

一口にスローアートといっても、そこには様々な切り口からのアートが検討されるとおもわれますが、私自身の考えたスローアートあり方は以下のことです。

1. オブジェクトとしての作品そのものにフォーカスするのではなく、制作にかかわる様々なプロセスに焦点を設ける。そしてその作品は生きている有機体のように少しずつ変化をしていく
2. できるかぎりゼロの状態でその場所へ行き、発表の場所自体をスタジオとしてその場所とゆっくりと関わることにする。そのように現地で時間をすごすことによってその場所をじっくりと体感し、人々と交流する。そして会期が終わったらまたゼロに戻る。あるいはまた次の時に再利用される。（ものだけでなく、その作品のコンセプト自体も有機的に成長していく）「残らないものの」積極的な意味を問うこと。
3. シンプルな材料と方法論を用いて制作する。材料は単に買うということでなく、できるだけ自分の身の回りにあるありふれたものを集め、分類する、というストラテジーをとる。また解体性の高いもの、リサイクルして違う形にかえてゆけるものを作っていくこと。
4. 積極的に自分以外の人々とコラボラティブな交わりをもつこと。それらをひろげ、つなげていくことで、一人の作家、鑑賞者という区分をあいまいにしていくこと。
5. 自分の日常生活をゆっくりとよくみつめ、様々な方面からきめ細かく考察し、そこから作品作りにつなげること。

では、実際の作品をみてゆきたいと思います。

l   今回のクーニハンギャラリーでの作品’my dear garden’は、以上のようなコンセプトを念頭において作られました。この作品は明確な始まりも終わりもありません。ショーの開催中も常に変化していく作品をつくる、ということに焦点をおきました。

まず下絵となるドローイングを描き、（今回は自分のバックヤード）、それを画廊にてプロジェクターで拡大し、鉛筆でトレースして、そこにピンを打っていきます。そして自分で育てた草をそのピンにそって、ひっかけて壁面のドローイングを作っていく。というものです。

見る人達は完成された作品ではなく、その過程をみることで、様々な想像をしなくてはなりません。この先どのように発展するのか、これらがもっと完成に近づいたらどうなるのか。スローなプロセスの中でじっくり身をおくことでしかこうした体験は得られないでしょう。

私は普段の日常では見過ごしているような見えない時間や場所、行為の残骸をゆっくりと見つめ、時間をかけることで、何らかの形で再構成してつなぎ合わせてみせる、ということに重きをおいて制作しています。それは当然と思っている構造を疑うという姿勢にもつながっていくでしょう。こうしたことが私なりの環境問題へのアーティストとしての問題提起になっています。

その他最近の作品を２−３紹介します。

l   ブリージングソイルプロジェクト。これまで５−６回場所と参加者を替えて行っています。野菜が少しずつ変化していく、ということを観ている人に想像してもらうプロジェクトです。その過程は直接土を肥やす力になっていき、そこから植物が育つ力に変容してる、というところまでみつめて欲しいと思いました。

モアランドの野外彫刻展。究極にシンプルな素材、ひもとペグだけで何かできないか、とずっと考えて、試行錯誤の結果生まれた作品です。これも現地で制作、終わったら解体しました。

ムーニーポンドのインシネレイターコンプレックスにて、アーテサイクルという展覧会に参加した時の作品です。「世界は謎にみちている。私の半径２０メートル」というタイトルで自分のスタジオから半径２０メートルでみつけたものを使ってのインスタレーションを現地でつくりました。ほとんどが、こわれた庭用の家具と、５歳の息子が作って捨ててあった「元作品」を下地にして、アートとして作品にしたものです。前回つかったひもが大事な要素として使われています。ゴミにある行為を加えて、ひとつの小宇宙を構築する、というのは私の作品に共通したコンセプトで、過去、現在、未来をつなぐ過程も表現います。私の子供が作ったものにまた私が手をいれる、ということで、自分一人で作り上げる、という姿勢からも距離をとっています。この作品は「インスタレーション賞」をとったので、来年今度は地域の人たちとコラボレーションをしながら、それらをある形に昇華させ、アートとしてゆく、という制作発表を考えています。

２０２０？

この作品はつい先日、友人のアッシュキーティングが行った２０２０？というプロジェクトに招待されて作ったものです。彼は巨大な量の廃棄物をごみ埋め立て地から運んできて、分類、仕分け、並べ替えをしてサウンドアーティスト、映像アーティスト、ビジュアルアーティストなど、多岐にわたるアーティストを招いてひとつの空間を作品化しました。私は３夜、通いつめて、巨大なケーブルコードをひもとき、釣り糸でつなぎあわせ、このインスタレーションを作りました。作り終えた次の日が解体の日でしたから、あまり人の目にははいらなかったことでしょう。このプロジェクトに関して今は言及する時間がないのが残念ですが、先ほど私が述べたアートの概念の再構築という点において実に興味深いプロジェクトでした。

さてアーティストが廃棄物を利用してものを作る、というのは、近代アートの時代１００年近く前からシュビッターズやピカソが行ってきましたからそれ自体が特別目新しいことではありません。しかし、今この展覧会でおこなわれているような様々な現代アーティストによるプラクティスは、シュビッターズが行った動機とはまた違った意図を持って行われているのだと思います。それは純粋な材料としての廃棄物ではなく、もっと倫理的、人類学的観点から、どのように自分の作品がこうした環境問題と関わっていけるのか、という痛切な問いから生まれた方法なのだとおもうのです。

集積し、並べ替え、切り揃え、部分に分解する、というやり方は大変な時間を要する、文字通りスローアートの典型的な方法論のひとつです、しかし私はそれ以上に、様々な人々と関わりをあえて持つ、ということもスローアートの大切な役割であると私はおもいます。そうすることによって、作品はもっと柔軟なものになるし、何よりアート制作という、経済効率主義の中では一番軽視されるような行為をより多くの人々と共有することができるからです。そこから多くのことがゆっくりと変わっていく、と私は信じています。

最後に私事ではありますが、以上に述べたような考えのために私は５年間いたコマーシャルギャラリーを離れることにしました。これは大きな決断ではあったけれど、コマーシャルギャラリーが商業媒体であることを考えると、私の考えているようなことは、よほど私の作品が商業メディアに華々しく取り入れられない限り、ほぼなんの価値ももたれません。だからそれは仕方のない事ですが、しかしこれをステップダウンと考えるか、まるで違う世界にシフトした、と考えるかは、自分の考え次第です。先ほど指摘したそうした既存のフレームワークにのらずに自分の考えていることを続けていける制作方法を今後も模索してゆきたいと思っています。

一番考えなくてはならない問題はアーティストが、自分たちの作品制作に対する代価をどのように得ていくかということだと思います。こうしたことこそはアートとサステイナビリティーということに関わっています。私達は暇があるからこうした売れない作品をわざわざ作っているわけではないのです。このことは、しばらくのあいだ、積極的にこうしたアートのあり方の重要性を世間に問い続けていく事で、みなさんに積極的にこうしたアートを鑑賞していただいて積極的に関わっていただく事こそが、今後の答えになっていくことだと信じています。

最後にスロームーブメントの運動家であるガットーム フロイスタッドの‘スロー’の意義についての引用で締めくくりたいとおもいます。

“The only thing for certain is that everything changes. The rate of change increases. If you want to hang on, you better speed up. That is the message of today. It could however be useful to remind everyone that our basic needs never change. The need to be seen and appreciated! It is the need to belong. The need for nearness and care, and for a little love! This is given only through slowness in human relations. In order to master changes, we have to recover slowness, reflection and togetherness. There we will find real renewal.”[2]

(ひとつ、確かな事はすべてのことは変化するということだ。変化の度合いはどんどん高まっていく。もしあなたがそこへ固執するのなら、急がなくてはならない。これが今日のメッセージだ。しかしながら、私たちのベーシックなニーズは変わる事がない、ということも覚えておくにしかることだ。きちんと顧みられ、感謝される事！これは何かに属していなくてはならないというニーズである。きちんと人間として顧みられ、親しくされ、愛される事。これはゆっくりとした確かな人間関係があることが前提だ。大きな変化の為には我々はスローであること、共に生きる事を再認識していかなくてはならない。そこで我々は真の蘇生、再生を見いだすのだ)

これはアートに限定した話ではありません。生活の全般において大切な価値観だとおもいますし、アートも、アーティストや関係者だけのものだけではなく、すべての人々にとっての大切な生活の一部になるべきです。今後もみなさんと模索してゆきたいとおもいますのでどうぞよろしくお願いします。

ご清聴ありがとうございました。

[2] Guttorm Fløistad

For a long time I have been thinking about how my art practice can embrace current environmental concerns. Nowadays, industries have to establish a recycling or waste system before they begin production. Contemporary art also has to respond to this reality. I haven’t found any definite answer for how to do this yet, but I will talk about where I am up to.

I believe that the transformation from a conventional system in the art world is one of the key factors when we think of sustainability and art because, like industry, the art world is built on the logic of economic rationalism.

Let’s look at the conventional system of the art world. First, I would like to point out how art is presented. An artist creates an artwork at his or her studio, and sends the work to be installed at the gallery. After the show, it is packed away and goes to storage. The structure of ‘time’ is important. The conventional approach needs time for the artwork to be created, time for it to be seen, and time for it to be stored. These periods are clearly distinct. And the classification of the people’s roles is very fixed: there are art makers (artist), mediators (gallerist, curator), and the audience (who come to see the art works). Usually there is a clear division among them. Within these structures, success for the artist means that 1. The art work is shown in an authorized venue, 2.the work is exposed to a wider audience, including mass media, and 3. the work is exchanged for money.

This money is paid in exchange for the skill of the craftsmanship and for the permanent material. Most of the time, this permanent material is unbreakable, which usually means environmentally unfriendly. Of course, there are many artists who prefer to create permanent art works, for many reasons. It is the traditional role of artists who make long-lasting works using metal, fiberglass and concrete, so I don’t blame them. However, there are many artists who question this approach: considering health hazards for artists and nature, the cost factor and the need for storage space. These factors created an enormous conflict between my life in general and the sustainability of my art practice. I finally decided to find a new context for my art and tried not to be ruled by the structure of an art world governed by economic rationalism. And I decided to incorporate the idea of ‘slow movement in Art’ in my practice, calling it ‘slow art’ to connect it to other movements like ‘slow food’ or ‘slow life’.

Robert Hughes touched on the subject of Slow Art in 2004. He said, “What we need more of is slow art: art that holds time as a vase holds water: art that grows out of modes of perception. …It doesn’t get its message across in ten seconds,… that hooks onto something deep-running in our natures.[1]”

There will be diverse ideas and many different approaches to define Slow Art. Following are some of my ideas:

1. Focus on a process of art making rather than object making. The work always changes subtly, and grows like a living organism.

2. Create art works on site from zero, and use the gallery as a studio. Spend time on site to experience the space, physically and internally. When the exhibition finishes, go back to zero. Seek the meaning of artwork that doesn’t last.

3. Use simple materials and methodology, choose materials that connect with my life.

4. Blur the border between artist and audience. Also try to involve other people in the process of art making.

5. Take time to observe everyday life much more carefully. The idea of the project needs to be derived from everyday life.

Now let’s look at the actual work.

The work for Embodied Energy, My Dear Garden, has been created based on the above concepts. This installation doesn’t have a definite start or a definite end. Even during the show, I came to the gallery to work for a few days each week so it was constantly changing. First I drew my backyard and projected the drawing onto the wall to trace. Numerous amounts of pins were tapped along the drawing lines, and grass from my backyard was woven to create mural drawings. What the audience sees is a process rather than a finished installation, and the audience is asked to imagine the progress. Only a slow process can provide the opportunity to contemplate the unseen picture.

Here are other examples of my works. Breathing Soil (slide)

This is a project I carried out 5 times in different places. I wanted to ask people to imagine the process of vegetables slowly breaking down, and transforming into a force of soil and plants.

‘white nest’ in Moreland: (slide)

This is an outside sculpture I created for the Moreland Sculpture Prize Show this year. I wanted the challenge to create something very simple using strings and pegs.

‘the world is full of mystery’ (slide)

This installation called ‘the world is full of mystery: 20m diameters of my life’, consists of found objects (including things my son made), broken furniture and offcuts of timbers. Strings I used for Moreland show were reused here. All of these I found within 20 metres of my shed studio, where my life begins every day. This is a narrative about recycling, transformation, the environment, growth and waste, and is also a microcosm of my life. It is a process of connecting the past, present and future.

2020? (slide)

This is what I made for the project 2020? organized by the artist Ash Keating. He bought an enormous amount of landfill and invited the participation of a diverse range of artists including sound, performance, and visual artists. I spent 3 nights to make this and finished the day before the show ended. But I was very inspired by this project in many ways. Unfortunately I don’t have time to talk about this project here, but you could find it on the website when you go home.

It may not be a very new idea to use waste materials for art making. Artists such as Picasso and Schwitters incorporated found objects into their art making almost 100 years ago. But now, artists like those showing in this exhibition have a slightly different motivation. I think the urge to engage with environmental problems both as a contemporary artist and as a human being is a strong motivation.

But for me, the most valuable part of Slow Art is that a diverse range of people is involved. Retailers, suppliers of materials, friends discussing the ideas – all participate in various ways with the process of art making. Under the economic rationalist regime, art making is considered a useless activity, as we can see in how art education is undervalued in schools. Perhaps the most positive outcome of Slow Art would be that more people might recognize the uncountable value of this process of making art, through participation rather than only being an observer.

Finally, I would like to quote Guttorm Fløistad, the philosopher and the leader of Slow Movement.

“The only thing for certain is that everything changes. The rate of change increases. If you want to hang on, you better speed up. That is the message of today. It could however be useful to remind everyone that our basic needs never change. The need to be seen and appreciated! It is the need to belong. The need for nearness and care, and for a little love! This is given only through slowness in human relations. In order to master changes, we have to recover slowness, reflection and togetherness. There we will find real renewal.”

I think all the elements he was pointing to can apply to today’s Slow Art movement as well.

Thank you